La noche del viernes 30 de octubre, el Teatro Albéniz con todas las butacas ocupadas vio aparecer en escena a la cantante estadounidense Lizz Wright. El Festival Internacional de Jazz de Madrid y Villanos del Jazz han vuelto a traer a la artista estadounidense. Cantar y comer son dos de las cosas que más le gusta hacer en España desde su primera visita en 2003.
Elizabeth LaCharla Wright, más conocida como Lizz, nació en 1980 en un pueblo de menos de 2.000 habitantes en Georgia. Sus padres formaban parte de una iglesia pentecostal y allí ella empezó a cantar góspel junto a sus hermanos. Con catorce años solía acompañar a la congregación sentada al piano. Estando en el instituto empezó a recibir premios formando parte de agrupaciones corales y tras su paso por la Georgia State University cantando con el cuarteto In The Spirit. Poco a poco fue escapando de los rigores que a veces imponía su familia. Trabajar junto a su padre era hacer música bajo una mirada controladora y estricta, pero al mismo tiempo esa música terminó siendo la herramienta que le ayudó a liberarse y cruzar fronteras. En 2002 mientras hacía conciertos tributo a Billie Holiday terminó firmando un contrato discográfico con Verve Records. Desde entonces ha girado por el mundo entero y tiene ocho álbumes en su haber. Actualmente Lizz está casada con Monica Haslip y vive en Chicago, alternando su carrera en los escenarios con un par de negocios de restauración que pretenden llevar los alimentos y recetas del campo a la gran ciudad.
Ella misma contó al público que no estaba rodeada de una banda como tal, sino que compartía escenario con otros artistas, valerosos en sí mismos y no meros acompañantes. Todos los integrantes tuvieron su momento propio. David Cook al mando del órgano Hammond y el piano. El músico californiano, neoyorquino de adopción, destacó mucho más en el segundo instrumento. En el órgano no usó ni lo más mínimo la pedalera y el leslie que había al fondo del escenario era un mueble más que casi no tuvo presencia. Con el piano hizo gala de su conocimiento del jazz sin renunciar al virtuosismo romántico y el blues. Las guitarras, acústicas y eléctricas, estuvieron en las manos de Marvin Sewell y Adam Levy. Sewell, un habitual en las grabaciones de Cassandra Wilson, es uno de los maestros del slide —técnica que consiste en apretar o frotar las cuerdas de la guitarra eléctrica con una pieza o tubo, generando una sonoridad que a mí siempre me ha recordado a una guitarra que canta lamentándose— y lo demostró en varios solos. A medio camino entre el jazz y el folk, Levy se ganó al público no solamente con la guitarra sino también cantando. Sigue transmitiendo esa tranquilidad en el escenario que mostró durante tantos años acompañando a Norah Jones. Debo decir que su dueto con Lizz Wright cantando “Feels Like Home” de Randy Newman fue uno de los mejores momentos de la noche. La nómina de músicos se completaba con las dos personas esenciales para mantener el ritmo, el bajista Kyles Miles y el baterista Marlon Patton.
Se suele enmarcar a Wright en el jazz, ese jazz que se construye a partir de todo tipo de músicas: blues, góspel, pop, folk, rock… La combinación de músicos funcionaba a la perfección. Durante su concierto me vino a la cabeza esa definición de Phillip V. Bohlman del “jazz como intimidad”, una música que se estructura a través del lenguaje interpersonal de la improvisación. Un grupo de músicos antes un público que se comunica mediante referencias musicales marcadas por sus vínculos y estados emocionales. La propia Wright comentó que su estado de ánimo no era del todo bueno, pero la buena comida antes del concierto pudo solucionar cualquier problema. Y en su línea habitual, no hubo grandes virtuosismos vocales, ni grandes historias entre canción y canción. Fue como pasear por una meseta tranquila mirando un paisaje hermoso, sin valles ni montañas, pero hermoso en su simpleza y monotonía.
La batería de Patton anunció el comienzo de “Freedom” (2015) escrita por Toshi Reagon —hija de la activista y cantante Bernice Johnson Reagon—, un mensaje que clama por la libertad, por el derecho a respirar y pisar la tierra en la que vives. Con la siguiente canción, Wright dejaba claro que ese viaje de liberación no lo hace en solitario. “Walk With Me, Lord” (2003) lleva en su repertorio desde sus primeros tours. Se trata de un espiritual negro que en la década de 1960 quedó unido a la lucha por los Derechos Civiles a través de la voz de Fannie Lou Hamer. La pandereta se convirtió en una extensión de su brazo y ayudó a solventar los estragos que de vez en cuando el público produjo con sus palmas arrítmicas. Otra canción que siempre reaparece en su repertorio es “Afro-Blue” (2003) de Mongo Santamaría y con las aportaciones líricas-vocales de Abbey Lincoln. Menos punzante, menos ancestral y menos metálica que la grabación icónica de Lincoln en 1959, pero no estuvo mal. Versiones de “Afro-Blue” como la de Robert Glasper y Erykah Badu aportan y mucho. ¿Qué suma la “revisión” de Lizz Wright? Quizá no nos regala nada nuevo, pero es necesaria para que alguna gente se siga acercando a estos standards de jazz.
Llegó el momento de sacar repertorio del álbum Shadow (2024). “Sparrow” fue concebida por su director musical Chris Bruce y terminó de darle forma Wright siguiendo la forma de narrar en canciones de la artista folk Caitlin Canty. El canto del gorrión añorado cuando hay tormenta hace referencia a aquellos años en los que estuvo separada de su hermana. Pero como siempre hacen los gorriones, buscan y buscan hasta volver a encontrar la bandada de la que se separaron. “Sweet Feeling” es una versión de Candi Staton, aquella cantante todavía de blues con aires sureños que no había triunfado globalmente con el clásico de la música disco “Young Hearts Run Free” (1976).
Un solo de guitarra de Levy precedió a “Old Man” de Neil Young y las primeras palabras de Lizz. Retomó con “Stop” (2005), compuesta y grabada por Joe Henry. Un himno de autodeterminación con un aire melancólico. Si escuchas la grabación de Lizz Wright y no sabes de qué te suena tanto, échale una escucha a “Don’t Tell Me” (2000) de Madonna. Después vino “Feels Like Home” junto a Levy. Otra canción de Toshi Reagon llegó casi al final del concierto, “No More Will I Run” (2018). Es una canción muy especial para Wright porque fue lo primero que salió de sus labios al retomar los directos durante la pandemia. Una oda a dejar de huir, una llamada para encontrar el sitio en el que uno encaja. Por esos años, en 2020, Lizz Wright reconectó con sus raíces gracias a la cocina montando en el South Side de Chicago Carver 47 Food & Wellness Market, donde de vez en cuando ella misma cocina. Y no podía terminar sin uno de sus mayores éxitos, “Salt” (2003). Sentada ella misma al piano cantó este tema propio donde se mezclan la comida, su identidad y los imaginarios sureños: «¿Cómo vas a perder tu canción si la has cantado por tanto tiempo? ¿Cómo vas a olvidar tu baile si es ese baile es lo único que tuviste? Debe ser cierto que no puedes separarlo, es imposible hacerlo, así como la sal en el estofado, todo es parte de ti».
El público quedó tan satisfecho que llegó a haber dos bises. En la primera vuelta al escenario interpretaron “Who Knows Where The Times Go” (2024) de Sandy Denny y popularizada por Judy Collins en 1968. La versión de Wright está mucho más cercana a Nina Simone, tanto en la letra como en la quietud con la que aborda la canción. El final llegó de verdad con “How I Got Over” (2026), una canción góspel de Clara Ward que llegó a sonar en la voz de Mahalia Jackson en la Marcha sobre Washington por el trabajo y la libertad en agosto de 1963. Desde el primer momento, Lizz Wright fue sutil y poco habladora. Dejó que las canciones contaran su historia y que cada uno en el público se adentrara, hasta donde quisiera o pudiera, en sus orígenes y sus luchas.